miércoles, 26 de octubre de 2011

Secretos de la Historia del Arte...

     En muchas ocasiones, la Historia del Arte nos suele jugar malas pasadas en la apreciación del arte, especialmente el antiguo. Y es que muchas veces una obra de arte se conserva por criterios bien distintos a los propios de la calidad artística, y eso también vale para la calidad de la copia. Por ejemplo, tendemos a asociar la estética de los tres mil años de historia egipcia, al período de Ramsés II, únicamente porque es de su período que se conservan más grabados y relieves en los cuales basarnos para recrear artísticamente a dicha civilización.
     Un caso paradigmático de esto es el arte plástico griego. Para el profano, pareciera que el gusto plástico de los griegos se vertió exclusivamente en la Escultura y la Arquitectura, esquivando la Pintura. Y nada más lejos de la realidad. Por testimonios de historiadores y escritores, sabemos que existía en la antigua Grecia una floreciente industria pictórica, y la reputación de un pintor como Apeles (siglo IV a.C.) podía ser tan buena como la de un escultor como Praxíteles. Pero desgraciadamente, lo que se han conservado para la posteridad son esculturas y no pinturas, así es que poco sabemos de este arte antiguo griego, como no sea por algunos frescos romanos.

     A su vez, las esculturas griegas tienen su propia historia. Es clásico ver a una escultura como la "Venus de Milo", y a otras más, sin brazos. Pero los griegos no esculpían estatuas sin brazos. Lo que pasa es que, con el saqueo de las ciudades griegas y romanas por los bárbaros, éstos no repararon en destruir todo lo que estuvo a su alcance, incluyendo estatuas...

     Para colmo, en muchos casos no se conservan las estatuas originales, sino en copias romanas, y no tenemos la menor idea de qué tan buenas eran esas copias, respecto de las originales.

     Y lo más llamativo: la visión de una Atenas o una Roma plagada de esculturas de brillante bronce o liso mármol, que las películas de Hollywood han popularizado, es falsa. Esto, porque en el mundo grecorromano la costumbre era PINTAR las esculturas. Lejos de ser ciudades de "gusto clásico", sus esculturas estaban llenas de vivo color. Lo que pasa es que muchas esculturas que sobrevivieron al paso de los siglos, lo hicieron semienterradas o bajo ruinas y escombros, y como es natural, la pátina de pintura se les salió...

martes, 27 de septiembre de 2011

CURIOSIDADES SOBRE LOS TOCADOS DE LOS FARAONES

Aquí os dejo la información sobre los diferentes gorros, tocados y demás que solían llevar puestos los faraones, en relación a la clase del otro día. Espero que os sea útil:

NEMES
El Nemes, era de una especie de tocado de tela, un atuendo que utilizaban frecuentemente los faraones egipcios, en sustitución de las pesadas y voluminosas coronas ya que, a diferencia de éstas, era una pieza ligera y cómoda.

El Nemes cubría la totalidad de la cabeza, cayendo verticalmente por detrás de las orejas, amarrándose con un nudo cerca de la nuca, a modo de trenza. Según los textos, era de color blanco adornado con bandas teñidas en azul, aunque algunos podrían haber sido en azul lapislázuli y en oro, como se muestra en algunas esculturas, máscaras funerarias y frescos.

Se fijaba a la cabeza además con una diadema que portaba una cobra y un buitre en la frente: el Uraeus, emblema protector de los faraones, quienes eran los únicos que podían llevarlo como atributo de realeza.


 TÍTULOS E INSIGNIAS REALES

Los faraones vestían muy elegantes y tras su coronación recibían varias insignias reales que usarían durante todo su reinado. Sobre el pecho cruzaban el flagelo o cetro Nejej, y el cetro Heka o cayado de pastor, símbolos que representaban al dios Osiris.

En la frente, el ureus representaba una cobra que le protegía de los enemigos. Y usaban una barba postiza que se ataban con un cordón.

En la cabeza, se colocaban diferentes tocados.

Se solía cubrir la cabeza con el nemes, un tocado con rayas azules y blancas que caía sobre los hombros.
La corona azul o jeperesh se reservaba para los días de fiesta y hacía referencia al dios sol.
La corona blanca representaba al Alto Egipto. Y la corona roja al Bajo Egipto. Las dos unidas formaban la sejemty, que representaba la unión de las Dos Tierras.

1-Corona Blanca 2-Corona Roja 3-Sejemty 4-Jeperesh 5-Nemes



domingo, 5 de junio de 2011

LAMINAS DE GRAN UTILIDAD

Aquí os dejo varias láminas del "diccionario visual de términos arquitectónicos" de Cátedra.
Seguro que son de gran utilidad para la PAU.
Aprovecho para animar a mis alumnos y desearles un buen examen de Historia del Arte.





martes, 3 de mayo de 2011

LA OREJA DE VICENT VAN GOGH


Cada cierto tiempo hay algún investigador con nuevas teorías sobre los mitos del arte, bien sobre sus biografías o sobre sus obras. Ahora se argumenta que Van Gogh no se cortó la oreja sino que la perdió en una pelea con Gauguin.

"La oreja de Van Gogh. Paul Gauguin y el pacto del silencio", es el título del libro de Wildgans y Kaufmann, publicado por la editorial Osburg, que ofrece una nueva versión de los hechos ocurridos en Arles (sur de Francia) en diciembre de 1888.

La base de esa versión, según el libro, es el testimonio dado por Gauguin a la policía. Según esa versión, Van Gogh, en un ataque de locura, se habría cortado la oreja izquierda con una navaja de afeitar y luego había ido con ella a un burdel para entregársela a una prostituta y encomendarle que cuidase bien de ella. Al día siguiente, Van Gogh fue encontrado, bañado en sangre, en su cama y trasladado a un hospital cercano.

Dicho acontecimientos aparece reflejado en una artículo de la época:

"El domingo a las 11:30 de la noche, un hombre llamado Vincent van Gogh, pintor que nació en Holanda, se presentó en la ‘Maison de Tolerance No. 1', preguntó por Raquel, y le dio ... su oreja, diciéndole: ‘Guarda este objeto con cuidado'. Después desapareció. Cuando le informaron de esto, que pudo ser un acto de una persona pobre o trastornada, la policía fue a su casa a la mañana siguiente, donde lo encontraron tirado sobre la cama, sin casi ningún signo de vida." (Forum Républicain. Diciembre 30, 1888).

Estos autores consideran que la historia está llena de detalles difíciles de creer que les llevan a la conclusión de que Gauguin mintió a la policía, para disimular el papel clave que él había tenido en los acontecimientos de la noche anterior.
Ante todo la idea de un Van Gogh ensangrentado, dando una caminata nocturna hasta el burdel (a las afueras de Arles) para entregar su oreja a una prostituta que no significaba nada especial para él y después de volver a casa es algo que los dos autores consideran inverosímil.

La versión alternativa parte de un enfrentamiento entre los dos amigos, generado por la decisión de Gauguin de abandonar Arles y regresar a París. Van Gogh le habría lanzado a Gauguin un vaso en un bar y luego le habría perseguido para tratar de persuadirle de que se quedara en Arles.

En el enfrentamiento en la calle, Gauguin, que era un buen espadachín, habría desenfundado su daga y le habría cortado de un tajo la oreja a Van Gogh, no lejos del burdel donde posteriormente aparecería la misma y desde donde la policía siguió un rastro de sangre que la llevó hasta la famosa "casa amarilla" donde vivían Van Gogh y Gauguin. Este último, sin embargo, tras la pelea había decidido pasar la noche fuera de casa.

"Usted calla y yo también lo haré", fueron las últimas palabras de Van Gogh a Gauguin, lo que es interpretado por los dos investigadores como un pacto de silencio.



 Seis meses después de dejar la oreja en el prostíbulo de las afueras de Arles, Van Gogh fue internado en un hospital psiquiátrico en Saint Remy. Más tarde, en mayo de 1890, sería traslado a Auvers-sur-Oise, donde fue puesto al cuidado del médico Paul Gauchet.

El 22 de julio del mismo año Van Gogh murió a consecuencia de las secuelas dejadas por un intento de suicidio.

Para Benito.

miércoles, 27 de abril de 2011

VELÁZQUEZ - Uno de los mejores pintores de la pintura del siglo de oro español



¿Quién fue Diego Rodríguez de Silva y Velázquez?  

Este hombre fue un genio, un auténtico genio de la pintura. Andaluz de nacimiento, de Sevilla por más señas, nace el 6 de junio de 1.599. A partir de aquí se difuminan los datos que existen sobre su historia personal. Parece seguro que su madre era sevillana, Jerónima Velázquez, de la que tomó su nombre artístico (no por feminista sino por ser propio de la época), y su padre un judío convertido al cristianismo y de origen portugués. Contaba con cinco hermanos menores que él –también propio de la época-.

Cuentan los entendidos que la familia pertenecía a la clase social de la burguesía, afirmación lógica si pensamos que cuando Dieguito contaba con 10 años ya estaba estudiando pintura en un famoso taller de Sevilla, el de Francisco Herrera “El Viejo”. Poco estudió con “El Viejo” porque el siguiente año ingresó en el Taller de Francisco Pacheco cuya fama de buen pintor y hombre de cultura superaba a la del anterior maestro. Mientras él estudiaba pintura, aprendía a leer y escribir y se codeaba gracias a D. Francisco Pacheco con los intelectuales y aristócratas de ideas avanzadas de Sevilla, los demás niños, niñas y jóvenes del “populacho” luchaban por sobrevivir trabajando desde temprana edad, la inmensa mayoría de ellos analfabetos, sin cultura ni educación.   Así que esto es lo que conocemos de su niñez, que ya desde una edad muy temprana apuntaba excelentes trazos de artista, imagínate, con 21 años pintó un cuadro que luego fue muy famoso y que se titula El aguador de Sevilla. Desde luego se sabe que con esta edad ya estaba casado con una hija de su maestro Pacheco, Juana, de la que no se conoce a penas nada, más que le siguió a todas partes como una sombra y que murió siete días después de que lo hiciera él.  

Velázquez fue el pintor de la corte cuando reinaba Felipe IV, siendo además cortesano, o sea ayudaba a otras tareas propias de los reyes y su entorno, y el encargado de proyectos decorativos y artísticos en esta misma corte. Además y gracias a las influencias del rey consiguió diversos títulos nobiliarios que desataron envidias y venganzas a su muerte.
Poco más sabemos de su vida como persona. Si fue buen esposo, buen padre, buen amigo…se desconoce.

También desconocemos su personalidad, si era tacaño o soberbio o tímido, o si por el contrario era atrevido, solidario, amigable… Algunos de estos rasgos podemos adivinarlos por su pintura. La forma de romper moldes, la manera desordenada en la que daba sus pinceladas que componían figuras y colores perfectos…Era un adelantado de su tiempo. Nos tenemos que parar casi 300 años para poder ver algún movimiento en pintura que se asemeje a lo que Velázquez comenzó.

Aquí os dejo un enlace donde ampliar información sobre Velázquez y el Barroco español:

viernes, 8 de abril de 2011

Catedral y alrededores de Santiago de Compostela

En este enlace a la página oficial de la catedral se puede encontrar información detallada de la misma y un recorrido virtual muy interesante y que merece unos minutos de dedicación.
Enlace

miércoles, 30 de marzo de 2011

San Pietro in Montorio . Bramante.



Estos son alguno de los detalles y curiosidades de una espectacular obra del renacimiento italiano. Estoy seguro que a mis queridos alumnos le gusta mucho. Mañana nos vemos.....

Detalles de la imagen 'San Pietro in Montorio. Bramante. 1502-1510'
  • Historia: En un montículo en Roma, fue erigido el templete por los Reyes Católicos en conmemoración a la toma de Granada en 1492. Se supone que el montículo es el lugar donde fue martirizado San Pedro.
  • Influencias: Su disposición recuerda a los tholos griegos, circulares, y a los martyriums orientales.
  • Peristilo: La planta del edificio es circular, de pequeñas dimensiones, y está rodeada por una columnata que configura un peristilo o porche.
  • Clásico: Sigue la idea clásica de un templo erigido sobre una escalinata y con un basamento grande, en el cual descansa la columnata. Se convirtió por todo ello en un referente de arquitectura Renacentista, volviendo a los parámetros clasicistas de pureza de líneas y simetría.
  • Toscano: Las columnas del peristilo son de estilo toscano, como se puede ver en su fuste liso y en su capitel sin decoración.
  • Peristilo: En las paredes del peristilo podemos ver una consecución de pilares adosadas al muro, de estilo toscano, con unos nichos cubiertos con conchas y nichos adintelados.
  • Entablamento: El primer cuerpo y el segundo se dividen por un gran entablemento con decoración de metopas y triglifos. Apoya en él una balaustrada que pasa al segundo cuerpo.
  • Planta: La segunda planta tiene una disposición similar a la inferior, con una consecución de vanos adintelados y con concha. Corona el vano central de iluminación un escudo. Se remata todo el conjunto con una cúpula.
  • Interior: Su interior tiene una cella circular y decoración similar a la exterior, mientras que también encontramos una cripta, donde supuestamente está la cruz de San Pedro.
  • Filosofía: Esta arquitectura sigue los ideales filosóficos de la Escuela de Ficino, dentro del neoplatonismo, donde se equiparaba a Dios como fuerza cósmica que tenía una forma esférica. Por eso, el templete tiene forma circular, módulo que Bramante aplica a todos sus elementos: columnas, cella, cúpula, balaustrada...
  • Lugar: Originalmente, no estaba concebido para situarse en una plaza circular, sino en una plaza rectangular. Esto es muy importante, porque cambia mucho la forma de ver el edificio ya que sería mucho más impactante si fuera rectangular.

martes, 22 de marzo de 2011

Visita a la Capilla Sixtina online

Os dejo un enlace donde se puede ver toda la capilla.
Es una MARAVILLA, ¿verdad?

Ver enlace.

Interior de la capilla.

Exterior de la capilla.

lunes, 21 de febrero de 2011

Restauración del Pórtico de la Gloria del Maestro Mateo

Aquí os dejo varios enlaces que seguro os resultan muy interesantes:

miércoles, 16 de febrero de 2011

El descendimiento de Roger van der Weyden







Aquí os dejo algunas imágenes muy interesantes sobre una de las obras más importantes de la pintura flamenca. También un enlace para ampliar la información sobre ella. Espero que os guste.